A lo largo de las sesiones con el Libro de Mujeres que corren con lobos , hemos abordado la importancia de ser sujetos de nuestra propia vida, el valor de la paradoja, la importancia de restablecer las redes…la exposición de Fontcuberta en la Virreina me olía a esas cosas .
¿Por qué? La fotografía en sus inicios fue fija y requería por un lado una actitud pasiva y reproductora de la realidad y por otro, una veracidad otorgada por el que la miraba. Fontcuberta se plantea todo lo anterior y se lanza a experimentar desde una actitud activa la búsqueda de una fotografía que también podía ser mutante ficticia y desacralizada. Para conseguirlo crea ficciones desvelando mentiras y verdades, jugando, incitando a sospechar de la realidad fotografiada.
¿Cómo lo hace? Poniendo la fotografía en dialogo con otras disciplinas: pintura, literatura, política, antropología, biología, astronomía y también confrontándola a experiencias personales . Abre los límites de la fotografía volviéndola porosa transitando paradojas entre lo real y lo ficticio (El astronauta ruso fantasma/Deconstruir Osama) ; entre la frontera privada y las fronteras naturales (Securitas); entre lo minúsculo y lo inmenso (Constelaciones) y así unas cuantas series más.
Resaltaría dos series de su trabajo por que tocan temas confluentes con los nuestros. Una pertenece a los Glooglegramas, se titula Medusa para realizarlo toma una imagen de un Mosaico románico y la confronta con los valores míticos de la Medusa enunciados en el Diccionario de símbolos de Cirlot , de esta manera busca imágenes disponibles en el Google aplicando los valores recogidos en el diccionario y recompone, mediante un programa informático, la imagen del mosaico románico con ellas .
La segunda es Deletreix en algunas fotografías de esta serie vemos paginas censuradas por la Inquisición de un libro de Erasmo de Rotterdam cuya plasticidad remiten a cuadros de Tapies, Mathieu o Pollock a mi me sugirió la oposición de censura y libertad plástica. ¡Lástima que descubrí la exposición el día antes de su cierre ¡ pero desde aquí quiero empujaros a seguir su obra, presiento que es un lobo. Vale la pena ver su trabajo tanto como escucharlo y pensarlo.
Os invito a echar un vistazo al catalogo de la exposición ; El libro de las maravillas… AUHHHH!!!!!!
Per encetar les aportacions sobre el nostre viatge vers Pollock i el xamanisme, un recull de textos extrets i traduïts del fullet de l’exposició “Jackson Pollock et le chamanisme” que fa una relectura de l’obra d’aquest pintor expressionista abstracte i que es pot veure fins a mitjan febrer a la Pinacothèque de Paris. L’objectiu és donar unes petites pinzellades d’aquesta exposició per anar centrant els temes principals, sentir com ens arriben i veure fins a quin punt s’entrellacen amb el nostre treball (si detecteu qualsevol traducció inapropiada, compartiu-la si us plau):
“….poc a poc se m’ha fet evident que els “dripping” no eren només obres purament abstractes, sinó també obres simbòliques amb elements de referència al xamanisme o als rituals xamànics…” diu Marc Restellini, director de la Pinacothèque de Paris.
El sacrifici i la mort
“……Pollock trobà el seu propi tema… en el xamanisme, una forma d’èxtasi religiós en el curs del qual l’iniciat és submergit en un estat alterat de consciència…. aquesta religió animista, portadora d’una promesa de curació tant per a un mateix com per a la societat. El xamanisme exigeix que l’iniciat sacrifiqui el seu “jo” profà en el curs d’un ritual simulant la violència del caos i de la mort.”
La fusió de l’home i de l’animal
“…símbols xamànics relatius al concepte de “incorporació”…. suggereixen la recerca d’un equilibri entre diferents elements constitutius de l’home…… La representació animal és allà per dir-nos que l’home s’ha d’apropar a la natura i al regne animal, del qual forma part…”
La fusió de l’home i la dona
“…ritual primitiu de la fertilitat, anomenat “naixement”… per Pollock…”
Naixement
“…procreació i creació són sinònims…..L’art ritual xamànic, tal com l’interpreta Pollock, suggereix una transformació de l’ésser”
La pintura gràfica. Els pictogrames
“…Pollock ha intentat desenvolupar un estil pictogràfic… permetent evocar…fer reviure l’èxtasi xamànic i la força de l’ésser…”
Les abstraccions
“… Pollock provà d’inscriure directament sobre la tela les forces vitals de l’univers…. Els “dripping” de Pollock han donat una forma visual a la transformació psíquica de l’home occidental cap el mite i el sagrat. Pollock havia fet seva la creença xamànica segons la qual… tots els éssers estan vinculats els uns amb els altres per una xarxa de forces interactives que modelen l’univers…”
La dansa
“…evoquen la força vital que anima el cos i l’ànima de les figures xamàniques…”
La cerca de la transformació màgica – L’èxtasi
“Els homes i les dones pintats per Pollock reneixen gràcies a la màgia del ritual xamànic…”
Ja fa dies que volia fer una entradeta al blog. Fa un parell de setmanes vaig anar al teatre a veure “Jugar amb un tigre” de Doris Lessing i us la vull recomanar. Sembla que aquest tros dona (tot just m’acabo d’apropar a la seva obra) no va treballar massa el gènere teatral- quina llàstima!!!- però m’ha deixat ben parada. L’obra tracta de la confrontació de l’individu i la col.lectivitat, a través dels conflictes d’una parella que vol viure una relació massa atípica per a la societat en la que estan immersos. Reflexió també del rol de la dona en la generació de la Lessing, com n’era de difícil ser diferent!!! Totalment actual, cinquanta anys després de ser escrita. Els actors fan un treball exel.lent i la directora té molta cura dels detalls, en una sala molt intimista, tal com el text requereix. Teniu temps fins al 14 de desembre, la fan a l’Espai Lliure del Teatre Lliure i podeu treure entrades al tiquet-3 (a meitat de preu tres hores abans de l’espectacle). Si algú hi va ja m’explicarà què li ha semblat.
Acabo de rebre una convocatòria a uns tallers de coneixement femení que els imparteix Myriam Wigutov a Barcelona durant dos dies al mes de gener. Consultant la seva web: http://www.laruedapurpura.com.ar m’ha semblat molt interessant i he cregut que potser també a vosaltres us interessaria.
Una abraçada,
Cecilia
Hola a totessóc la Mireia del grup de Sant Celoni. És la primera entrada al bloc, espero que tot surti bé en pantalla. Gràcies a la Rosa per ajudar-nos amb la tecnologia!.Volia penjar imatges molt curioses que he trobat a la xarxa del conte de la Vasalisa que estem treballant ara nosaltres. Hem estat al bosc, hem rentat, hem escombrat i encara ens queda molta feina per fer. La Muriel va proposar-nos des del primer dia posar imatges, il·lustrar-ho, i per fi he començat, però abans de posar-m’hi vaig fer una cerca i em va fer molta gràcies algunes interpretacions visuals que vaig anar trobant, molt diferents. Com que totes hem fet l’exercici d’imaginar-nos la casa amb potes, el nas de la Yagá i la nina, espero que els dibuixos us facin somriure com a mi!Salutacions a totes! Mireia
A partir del suggeriment de la Muriel i de la Clarissa, he començat a pensar en les dones de la meva família, en el que sé d’elles, en les seves lluites, els seus dolors, els seus triomfs, en tot allò que ignoro, en els seus secrets…. i de sobte m’ha cridat l’atenció una pel·lícula documental recentment estrenada a Barcelona,”Nedar“, que explica la investigació sobre els avantpassats de la jove directora, concretament sobre el seu avi afusellat al final de la guerra civil, en un context en què la seva àvia i la seva mare pateixen d’Alzheimer.
A Time Out Barcelona, Alejandro G. Calvodiu :
La majoria de les vegades, per ser sincer i honest, cal mullar-se. Enfonsar-se fins al fons, que els ossos i els sentiments quedin amarats. En el seu debut com a directora, Carla Subirana ha arriscat prou perquè el resultat sigui capaç de ferir, de fer mal. El seu viatge, com qualsevol trajecte, és pura indagació: una recerca del jo a partir de les empremtes, visibles i invisibles, de la seva pròpia genealogia familiar, marcada per un ADN en contínua degradació afectat per l’Alzheimer.
Cal lluitar, enfrontar-s’hi –potser per això el desaparegut Joaquim Jordà increpa la directora/protagonista/personatge a seguir buscant, encara que sigui dolorós–, deixar que la narració flueixi per ella mateixa a través de les imatges. Encara que potser sigui en les mateixes imatges de Nedar on trobem l’únic defecte de la pel·lícula: el desnivell que hi ha entre les imatges reals i la recreació fictícia en blanc i negre i en clau de flashback és pràcticament insalvable.
Nedar és una pel·lícula-document amb maneres de pel·lícula-riu, que podria ser perfectament una pel·lícula-testament per a la generació que seguirà a la directora-mare. És un viatge incòmode, dolorós i de gran tristor que, tot i així, té prou bellesa per despuntar en els llocs més alts del cinema espanyol del 2008. –
He anat a veure la pel.lícula i m’ha interessat i emocionat. La recomano ferventment perquè enllaça plenament amb aquest treball que tenim entre mans.
“El arte sirve para nutrirme. Recojo de la naturaleza la misma energía que hay en mí.” Así empieza el documental Ríos y Mareas donde el director Thomas Rieldessheimer recoge un sensual y poético viaje por el mundo y la mente del reconocido escultor Andy Goldsworthy, artista escocés que desde hace veinte años crea obras de arte en bosques y cauces de río con sus manos, sus dientes y algunas herramientas como una piedra afilada, espinas, plumas… Utilizando materiales de la naturaleza obtiene creaciones a base de pétalos, maderas, hojas, piedras o hielo moldeados por la luz del sol, la tierra, las mareas o la humedad. De la misma manera que la naturaleza con la que trabaja, muchas de sus creaciones son efímeras quedando sólo su existencia en las fotos que toma. En los diálogos de la película recojo lo siguiente : “He recibido sobretodo dos influencias con energía fluida, las mareas y los ríos… me han acompañado formas obsesivas de las cuales no me podía deshacer… he saludado al lugar y después he empezado a trabajar…”
El documental se inicia con un trabajo que el artista crea con témpanos de hielo “… intento hacer algo que no parezca esforzado…” y empieza el primer diálogo íntimo con la naturaleza cuando el sol ilumina por sorpresa la silueta de la escultura de hielo que ha creado sobre una piedra. Más adelante reflexiona: “Lo que da vida a la obra también le dará la muerte, no siento una destrucción de mis obras sino como si éstas fueran a otro mundo formando parte de un ciclo”, “Siento que he tocado el corazón del lugar cuando veo algo que antes no había visto pero que siempre ha estado allí. Estos son los momentos por los que vivo”.
Pero el diálogo con la naturaleza siempre comporta una tensión, un riesgo que estimula al artista porque sabe que el control absoluto puede ser la muerte para su obra. Así el trabajo se le rompe una y otra vez hasta que consigue equilibrar los movimientos con las fuerzas del peso de la tierra y la blandura de la arena. Cuando eso ocurre siente decepción pero también sabe que aún no comprende lo suficiente y persevera en el intento mientras observa cómo llega la marea.
Me ha gustado mucho el paralelismo que establece entre los mojones que marcan los caminos y las semillas plenas y maduras. Esa relación entre piedra y semilla me ha dejado perpleja. Algunas de sus piedras-semillas desaparecen en el mar cuando sube la marea y él reflexiona que como tantas cosas en la vida sabe que están allí aunque no las vea. Esa comprensión de las cosas de la naturaleza le ayuda a comprender lo que le pasa en la vida. En otros momentos se adentra en el lado oscuro de la naturaleza en busca de otras relaciones, por ejemplo con el trabajo que realiza con las ramitas de helechos. Estas son bicolores, negras en sus raíces por contacto con la tierra que las ha mantenido húmedas y calientes, y de color miel en contacto con el aire soleado, Andy Goldsworthy comprende así que el intercambio de energía con la tierra y con el aire ha determinado sus colores y su textura. Las ramitas de helecho rodean esa relación invisible, en la mirada ordinaria el nacimiento de un árbol. Para él esos helechos cada año conectan con el sol y con la tierra, es decir, con el cambio. Aún me parece oírle decir : “Vivo hace doce años en un pueblo y eso me ha permitido sentir la intensidad del lugar, comprender sus cambios, antes había vivido tiempos cortos en otros lugares y había conseguido una intensidad menor”. “Cuando llegué conocí una abuela de vida severa y dura que me dijo: mientras tu vives el nacimiento de tus hijos –creo recordar que tiene por lo menos cuatro- yo sólo veo muertes…”. Él reflexionando sobre ese capítulo dice: “…no quiero olvidar quienes han nacido ni quienes han muerto…”. A continuación recuerdo su imagen, estirado en la tierra mientras llueve intensamente, y la huella que deja cuando se levanta. El contraste mágico entre su silueta de tierra seca y el resto de la tierra mojada. ¿Poesía de lo invisible hecha visible?
Más tarde lo recuerdo recogiendo pétalos de un rojo y amarillo intenso y rellenando con ellos los huecos de las piedras que rodean el río. “De alguna forma sigo el río, impredecible en su relación con el mar y el sol”. También viene a mi memoria cómo se relaciona con la presencia de las ovejas, en su mundo las ovejas son poderosas porque no dejan crecer los árboles. Recoge la esencia de su poder en el territorio tomando lana de ovejas y resiguiendo con ella la silueta de los muros de piedra en seco del paisaje. La ausencia de los árboles que causan las ovejas se ve así retratada.“La tierra no me necesita, pero yo a ella sí”, dice el artista. “Necesito estar solo, la gente a veces me agota”. Aún le recuerdo captando las sutilezas del viento mientras éste le rompe una y otra vez una escultura de palitos que cuelgan de un árbol, pero sobretodo recuerdo su persistencia. En un momento determinado, comparte con nosotros su experiencia de muerte cercana, la de Julia, su cuñada, cuando ésta era joven, la compara como un agujero negro que a veces vemos en el tocón de algunos árboles, son agujeros que absorben pero de ellos también sale crecimiento. Desde entonces, para él, el negro no sólo será ausencia intangible, sino también regeneración.
Me vienen imágenes de espirales, ríos, mojones, semillas, remolinos, cintas de hojas río abajo, muros de arcilla trabados con pelos humanos que cuando se secan recogen las formas de las vigas que los sustentan. En un momento dado, en un bosque al lado de un río, levanta un muro en seco que serpenteando rodea a los arboles y allí reflexiona sobre su relación con los picapedreros cuando trabaja con ellos. Entonces relata que ellos siempre deshacían su trabajo cuando él hacia los muros, y comprende que su trabajo está en relación con el espacio, aunque él no tiene oficio de colocar piedras. De esta manera termina permitiendo que cada uno haga su trabajo desde el respeto y la complicidad. Y, ¡ay!, como me ha emocionado verle pulverizar las piedras rojizas de un lugar volcánico y oírle decir que el color rojo estaba en él, en su sangre. ¡Tuvo que trabajar mucho para descubrir el rojo bajo la piel de la tierra! Y no se para ahí, no, sino que es a través de ese polvo rojo que diluye en el río como manchas de sangre, que descubre que la estabilidad de la piedra sólo es momentánea, y que también puede ser líquida y fluida en ese nuevo contexto. Devuelve así a la piedra a una forma de mancha viva como cuando estaba dentro del volcán. Creo recordar que las imágenes finales del documental recogen su juego con el polvo primero de las piedras rojas pulverizadas volteadas en el aire como nubes de polvo rojo y más tarde con nubes blancas de nieve en polvo.
En resumen, es un documental sobrecogedor que me ha hecho llorar de emoción y descubrir un artista que con sus manos y su intuición recoge los cambios y el fluir de los ciclos que establecen los elementos naturales, incluyendo la naturaleza humana, porque como hemos oído mil veces en nuestros talleres, todo está conectado en red. Gracias, Muriel y Manola, por haberme invitado a visionar la última sesión en el cine, por los pelos pero llegué. Sería estupendo visionar de nuevo el documental, y habrá que investigar sobre su obra en internet. Acompaño mis recuerdos con la foto de una Aurora Boreal que un compañero de viaje, Carlos, tomó en Groenlandia este verano –Gracias Carlos-. Lo hago a modo de celebrar el cambio reflejado tanto en la obra de Goldsworthy como en la naturaleza más singular.
Fa dies vaig retallar un petit article del diari que parlava de la presentació d’un llibre del sociòleg Alain Touraine -publicat per Paidós, en català i castellà, i titulat El món de les dones-, perquè em van cridar l’atenció les idees que s’hi expressaven ja que connectaven amb moltes de les coses que van sortint en les nostres trobades: el canvi del món per part de les dones, el canvi de lògica dualista, prendre el poder de la pròpia vida, etc.:
Diu Touraine, segons el diari ADN:
“…las mujeres han vivido gran parte de la historia en un clima de totalitarismo….y ahora la mujer busca la reconstrucción social desde la propia realidad…….
la mujer…quiere…reunificar la sociedad polarizada del mundo masculino; entre cuerpo y mente, entre sexo y amor, entre vida laboral i familiar…todo ello gracias a una nueva construcción de la identidad femenina…”
Al web de l’Institut Français de Barcelona -on va presentar aquest llibre el maig passat- Touraine diu “vull mostrar que les dones creen una nova cultura, i després vull definir la naturalesa històrica i social d’aquest daltabaix cultural……. Espero sobretot demostrar amb aquest estudi la necessitat de trencar amb el discurs del tipus “no s’hi pot fer res” i contribuir a fer redescobrir les dones pel seu paper d’actrius socials –posant de manifest els objectius que tenen, els conflictes en què es veuen implicades i la seva voluntat de ser les protagonistes de la seva pròpia existència”.
Así se titula una exposición de fotografías (en el espai Xavier Miserachs, Virreina ) que va más allá de lo convencional. Es un adentrarse en la cólera, en la tristeza, en los límites. Territorios a los que nosotras nos hemos acercado, salvando la enorme distancia y desde nuestra particular perspectiva, en el cuento del oso.
La fotógrafa se llama Vida Yovanovich y realiza su creación a partir de un grupo de mujeres Mejicanas, encarceladas por matar a sus parejas.
No se limita a mostrar sus imágenes, también nos ofrece sus voces en un montaje audiovisual, en el que ellas explican cómo vivían, sus sentimientos, por que lo hicieron y como se sienten ahora. Mientras se escuchan sus emocionadas voces, van apareciendo imágenes en la pared de la sala.
Y escuchándolas, se hace presente la cólera que sintieron, la cólera ciega que lo reduce todo a cenizas, la cólera de las mujeres… y la tristeza profunda, y el sentimiento ético de saber que han hecho mal, por defenderse. Mujeres sin derechos. Mujeres sin voz, si Vida Yovanovich, no les hubiera dado una oportunidad de hablar.
Mujeres a las que les robaron la vida, antes y después de la condena.
“Llegó el limite de…
que como me golpeaba mucho…
Con lo que él me pegaba, yo le pegué.
No sé ni que me pasó
que perdí el control y lo hice
y hasta no verlo muerto no paré de darle.
Es muy feo cargar con un muerto…
es muy feo”
También hay unas fotografías impresas en pequeño formato, que muestran el entorno de la cárcel. Sin imágenes humanas. Son especiales, porque parecen dibujos serigrafiados o gravados, están expuestas sobre paneles forrados de tejido negro, por lo que podrían parecer pequeñas ventanas en negros muros.
En el libro que recoge los comentarios de los visitantes, descubro este: ¿Quién quiere ver esto? ¿A quién le interesa? … y comparo esa cerrazón, ese no querer ver, con la solidaridad y el compromiso vital de la fotógrafa. Abriendo grietas por la que pueda deslizarse la luz.
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