Que tengáis un solsticio amable… y lo celebréis en lo alto de vuestro corazón…
Concierto en la Seu d’Egara de Terrassa, dentro de la Iglesia de Sant Pere para el solsticio de Verano del 2012.
Mark Pulido: https://www.facebook.com/mark.pulido.5
Alexander Zhikharev: http://www.bilozhikharev.com/en/news/16-aleksander-zhiharev-s-bilas-russian-flat-bells
http://www.galacticresonance.org/httpwww-youtube-comwatchv6xlyjpg5pao-волшебные-звуки-в-коломенско/
Entrañable Chantal Maillard, al abrigo de la palabra.
Entrevista realizada en la Casa Invisible de Málaga, emitida el sábado 4 de junio 2016 por ATV Canal Sur en su programa “Tesis”.
Caminant per la ciutat, he topat amb un cartell que em crida l’atenció: “Behind the absence” (darrere l’absència). És l’entrada de la biblioteca Sant Gervasi – Joan Maragall i es tracta d’una exposició de fotografies de l’artista franco-italiana Myriam Meloni dins del marc del festival DOCfield>16.
Un cop dins, les imatges em colpeixen: l’absència, el revers de l’exili, de la migració, pot ser tan dolorosa com el propi exili.
“A la República de Moldàvia, el país més pobre de l’Europa de l’Est, més de 100.000 nens i adolescents creixen sense els seus pares. Són orfes socials, els pares i mares dels quals han emigrat a la recerca d’una feina que els permeti sobreviure, empesos per l’esperança d’assegurar un futur millor per a les seves famílies.
A causa de les conseqüències directes i indirectes de la migració massiva, que segons l’Organització Internacional per a les Migracions (OIM) afecta a un quart de la població moldava en edat de treballar, milers de nens massa petits per viure sols són criats pels avis, que alhora són massa grans per cuidar-los; i milers de nens amb els pares vius, creixen en orfenats desballestats, construïts originàriament al segle passat per acollir orfes de la Segona Guerra Mundial.
Els diners enviats a casa pels migrants, aproximadament uns 500 milions de dòlars l’any, juguen un paper important en el consum a Moldàvia, al preu -aquesta és l’altra cara de la moneda- d’esquerdes profundes en el teixit social del país.”
http://docfieldbarcelona.org/ca/exposicion/behind-the-absence-3/#.V2L_0XWLQZk
http://www.myriammeloni.com/index.php?/projects/behind-the-absence/
El trabajo de bodypainting del artista y músico Johannes Stötter (1978, Tyrol del sur, Italia) me recordó la frase de aquel filósofo y monje budista, Nagarjuna, quien dijo, allá por la India del siglo II, “las cosas no son lo que parecen”… Los vídeos muestran cómo se superponen mente y percepción. ¿Acaso tiene sentido concebir a un yo al margen de los otros (animales)?
https://www.facebook.com/johannes.stotter.7
http://www.johannesstoetterart.com
El jueves pasado, asistimos en La Central del Raval de Barcelona a la presentación de dos libros de Gary Snyder de la mano de sus traductores, Nacho Fernández, José Luis Regojo y Jaime Subirana. Acompañados por su ritmo pausado, recorrimos la nueva antología de poesía y prosa, La mente salvaje, poemas y ensayos, ahora reeditada por Árdora Ediciones, y el libro de ensayo más sustancial del poeta norteamericano, La práctica de lo salvaje, publicado por Varasek Ediciones. Complementarios, sendos libros forman un binomio que su traductor y compilador, Nacho Fernández, ilustró acertadamente colocando el libro de ensayos La práctica de lo salvaje como base sustentadora en la que se enraizaba la antología de poemas La mente salvaje. Dos perspectivas, un mismo camino, para adentrarse en una verdadera “ecología del lenguaje” de la mano de ese gran pensador-poeta-activista que es Gary Snyder.
En esta ocasión, la nueva antología (la edición del 2008 habiéndose agotada) adopta un mayor formato y se amplia con 43 poemas con su versión original en inglés, y cuatro ensayos inéditos procedentes de los tres últimos libros publicados por el escritor norteamericano hasta la fecha. Tal y como lo subraya la editorial Árdora, “esta nueva publicación ofrece un completo recorrido por toda la obra de Snyder: desde sus primeros poemas celebratorios sobre el trabajo manual en bosques y montañas hasta su reivindicación de nuestra pertenencia a la comunidad natural, incorporando visiones de su experiencia vital, el antiguo saber de las comunidades nativas y la enseñanza ética del budismo.
“La obra de Gary Snyder (San Francisco, 1930) plantea una esclarecedora revisión de nuestra pertenencia al mundo natural. En su poesía convergen la atención detallada a la condición salvaje, el conocimiento y la permeabilidad a la tradición literaria oriental, el legado ético del budismo —residió en Japón durante una década— y una escucha atenta a las relaciones de las culturas primigenias con su entorno.
“Inicialmente vinculado a la generación beat y pensador crucial sobre cuestiones ecológicas, Gary Snyder es hoy uno de los poetas vivos más respetados en lengua inglesa, además de autor de una obra ensayística que asume una posición ética y política tan creativa como rigurosa.”
“Nuestras habilidades y trabajos no son más que pequeños reflejos del mundo salvaje, cuyo orden es innato y libre. No hay nada como salirse de la calzada y adentrarse en una parte nueva de la división de aguas. No por la novedad en sí, sino por la sensación de llegar a casa, a todo nuestro territorio. “Abandonar el sendero” es otra forma de llamar el Camino, y deambular alejándose del sendero es la práctica de lo salvaje. Es ahí también donde, paradójicamente, damos lo mejor de nosotros mismos. Aun así, necesitamos caminos y senderos, y los mantendremos siempre. Primero debes estar en el camino, antes de poder echar a andar en otro sentido y adentrarte en lo salvaje. Gary Snyder
Un modo de percibir, de defender y de estar en el mundo salvaje (aguda observación del espacio natural y de sus ecosistemas, exploración del sustrato imaginativo del lenguaje estrechamente vinculado a nuestro ser biológico, atención a la auto-organización, regulación y mantenimiento de nuestro cuerpo-mente) que Gary Snyder, permaneciendo en el camino, fuera del sendero, traduce magistralmente en poemas, ensayos y actitudes.
Leedlo despacio, dejaros llevar en la canoa de sus poemas, entrad en relación con la amplitud de su pensamiento sembrado de múltiples referencias sobre budismo, antropología, lingüística, etnobotánica, geología, prehistoria, mitología… seguidlo allí donde se borran todos los senderos, en el camino de lo salvaje…
FUERA
el silencio
de la naturaleza
dentro.
el poder dentro.
el poder
fuera.
el camino es todo lo que pasa–
no tiene objetivo en sí mismo.
la meta es
la gracia –la liberación–
curar,
no salvar.
cantar
la prueba
la prueba del poder dentro.
Gary Snyder. La mente salvaje, poemas y ensayos. Edición y selección de Nacho Fernández Rocafort. Árdora Ediciones, 2016.
http://www.ardora.com/content/la-mente-salvaje-nueva-antologia-poemas-y-ensayos
Aquí tenéis el enlace al audio de la presentación de los libros de Gary Snyder: www.ivoox.com/11894780
Casi medio centenar de poetas participan en la antología de poesía Capital Animal que se presentará en La Casa Encendida de Madrid el miércoles 8 de junio de 2016, a las 19 horas. Su título, Naciendo en otra especie, se inspira en un verso de Antonio Gamoneda: “Estoy naciendo en otra especie / y el exterior es lívido”, de su poema ‘Malos recuerdos’, publicado en 1980 en su libro Blues castellano (Bartleby Editores, 2007). La presentación contará con una acción poética coral, a modo de letanía, basada en el libro La tierra prometida, de Chantal Maillard, quien será su voz principal. chantal-maillard-la-tierra-prometida
La antología Naciendo en otra especie, publicada por Plaza&Valdés, cuenta con poemas de Jesús Aguado, Marta Agudo, Teresa Agustín, Noni Benegas, Miguel Ángel Bernat, Dionisio Cañas, Iñaki Carrasco González, Miguel Casado, Laura Casielles, Alejandro Céspedes, Antonio Colinas, Jordi Doce, Rafael Doctor, Patricia Esteban Erlés, Enrique Falcón, Antonio Gamoneda, Concha García, Alberto García-Teresa, Olvido García Valdés, Laura Giordani, José Antonio Llera, Esperanza López Parada, Chantal Maillard, Juan Carlos Mestre, Luna Miguel, M. Cinta Montagut, Marta Navarro García, Antonio Orihuela, María Antonia Ortega, Eloísa Otero, Katy Parra, Ana Pérez Cañamares, Cecilia Quílez, Esther Ramón, Inés Ramón, Jorge Riechmann, Xisco Rojo, Ada Salas, Iván Sáinz-Pardo, Juan Carlos Suñén, Ruth Toledano, José Tono Martínez y Julieta Valero. La selección de los poemas ha sido realizada por Ruth Toledano y Marta Navarro García.
Como explica Ruth Toledano, “en esta emocionante antología, Marta Navarro García y yo hemos tenido la enorme satisfacción de sumar voces diversas: unas, de un compromiso explícito con el sufrimiento que los humanos infligen a los otros animales; otras, cercanas a ellos a través de una relación siempre fascinante”.
Hace ya unos meses que la plataforma “CAPITAL ANIMAL” impulsada por Ruth Toledano, Rafael Doctor Roncero y Concha López escogió el poema “Malos recuerdos” de Antonio Gamoneda, perteneciente a su libro “Blues castellano”—escrito entre 1961 y 1966 pero que no vio la luz hasta 1982 por problemas de censura—, como emblema de esta antología, que se inscribe dentro de una campaña de reflexión y concienciación sobre los derechos de los animales no humanos y el sufrimiento que les infligimos en forma de tortura y muerte.
Como apuntó en su día Ruth Toledano, “CAPITAL ANIMAL es un proyecto de activismo animalista desde la creación artística y la producción cultural, y consideramos que la poesía debe estar también. (…) Y este poema de Gamoneda es para mí de referencia cuando quiero pensar en la vergüenza en términos poéticos. Ilustra a la perfección lo que andamos buscando”.
La experiencia general con el proyecto CAPITAL ANIMAL está superando con creces las expectativas de sus promotores. “Las exposiciones y actividades relacionadas están teniendo una enorme acogida de público y medios, por lo que creemos que el mensaje principal, de respeto y debate sobre la relación con los otros animales, está calando en muchas personas, que era nuestro objetivo”, añade Ruth Toledano.
Animalista. Representación, violencia, respuestas. En La casa encendida, Madrid. Del 13 Mayo al 12 Junio, cada día, de 10:00 a 21:45 h.
Un viaje en primera persona alrededor de la figura, el pensamiento y la reflexión del ecoescultor Jason deCaires Taylor. El artista británico trabaja en la realización del Museo Atlántico, el primero de su tipo en Europa, que estará ubicado en la costa sur de Lanzarote, más exactamente en el fondo de sus aguas. Efectivamente, para Jason de Caires Taylor el mar es mucho más que una fuente de inspiración, es un espacio expositivo, y un museo. Allí ubica sus ecoesculturas, creadas en tierra (con materiales que no dañan el medio ambiente marino e incluso atraen la vida marina), las hunde a 10 metros bajo el nivel del mar. Sus esculturas, formas humanas en escenas mundanas, se integran poco a poco al medio y se transforman de simples esculturas sin vida en vibrantes hábitats para los corales, los crustáceos, y otras criaturas marinas. El resultante es fascinante, enigmático, inquietante. Sus figuras submarinas nos invitan a reflexionar sobre la transitoriedad de nuestra existencia y la impresionante potencia de regeneración de los océanos y de los mares.
http://www.underwatersculpture.com
https://es.wikipedia.org/wiki/Jason_deCaires_Taylor
“El jardín de esculturas submarinas de Jason deCaires Taylor”: http://www.abc.es/viajar/20140413/abci-esculturas-submarinas-jason-taylor-201404091725.html
Alfabeto
Los alfabetos existen
la lluvia de los alfabetos
la lluvia que se cuela
la gracia, la luz
interespacios y formas
de las estrellas, de las piedras
el curso de los ríos
y las emociones del espíritu
las huellas de los animales
sus calles y caminos
la construcción de nidos
consuelo de los hombres
luz diurna en el aire
los signos del cernícalo
comunión del sol y del ojo
en el color
la manzanilla silvestre
en el umbral de las casas
el montón de nieve, el viento
la esquina de la casa, el gorrión
escribo como el viento
que escribe con la escritura
serena de las nubes
o rápidamente en el cielo
como con golondrinas
en trazos que desaparecen
escribo como el viento
que escribe en el agua
estilizada y monótonamente
o rueda con el pesado alfabeto
de las olas
sus hilos de espuma
escribo en el aire
como escriben las plantas
con tallos y hojas
o dando vueltas como con flores
en círculos y mechones
con puntos e hilos
escribo como el borde de la playa
escribe una orla
de crustáceos y algas
o delicadamente como con nácar
los pies de la estrella de mar
y la baba del mejillón
escribo como la primavera
temprana que escribe
el alfabeto común
de anémonas, de hayas
de violetas y de acederillas
escribo como el verano
infantil como el trueno
sobre las cúpulas de la linde del bosque
como blanco oro cuando maduran
el relámpago y el campo de trigo
escribo como un otoño
marcado por la muerte escribo
como esperanzas inquietas
como tormentas de luz
atravesando recuerdos brumosos
escribo como el invierno
escribo como la nieve
y el hielo y el frío
y la oscuridad y la muerte
escriben
escribo como el corazón
que late escribo
el silencio del esqueleto
y de las uñas y de los dientes
del pelo y del cráneo
escribo como el corazón
que late escribo
el susurro de las manos
de los pies, de los labios
de la piel y del sexo
escribo como el corazón
que late escribo
los sonidos de los pulmones
de los músculos
del rostro, del cerebro
y de los nervios
escribo como el corazón
el corazón que late
los gritos de la sangre y de las células
de las visiones, del llanto
y de la lengua.
***
Lo efímero
La piedra en la playa se evapora.
El lago perece bajo el sol.
Los esqueletos de los animales
están ocultos bajo las arenas eternas
del desierto.
Las cosas caminan,
mueren una en la otra,
navegan como pensamientos
en el alma del espacio.
Caravanas de arena viva.
¿Es esto una amenaza?
¿Dónde está mi corazón?
Prisionero en la piedra.
Escondido en un lago.
Latiendo profundamente
en un camello jorobado,
que yace en la arena
gimiendo y va a morir.
Alfabeto. Inger Christensen. Editorial Sexto Piso, 2014. Trad. Francisco J. Uriz.
Inger Christensen, escritora danesa nacida en Vejle (Dinamarca, 1935-Copenhague, 2009). Hija de un sastre, tras graduarse en magisterio cursó también estudios de medicina, así como de matemáticas y química. A pesar de ser más conocida por su faceta de poetisa, también ha cultivado otros géneros, como la novela, el teatro o el ensayo. En realidad no le gusta distinguir entre géneros, por lo que escribe indistintamente en prosa y en verso. Su obra es compleja, con numerosos referentes que demuestran un exigente nivel cultural. En su poesía, que ella gusta recitar, juega con la acentuación y utiliza con frecuencia la aliteración, con lo que el valor fonético del lenguaje alcanza un protagonismo evidente. En sus dos primeros poemarios, Luz de 1962, y Hierba de 1963, hay una fuerte presencia de la naturaleza y de los fenómenos relativos a ella. Esta naturaleza se descubre como muy cercana a la autora, en la que aparecen los paisajes de su Vejle natal, sus animales, sus aves, el mar y las playas, y en especial los inviernos nevados. A partir de la publicación de Eso en 1969, comenzó a ser reconocida internacionalmente. Se trata de un poema que, a lo largo de 200 páginas, ofrece una especie de génesis del origen del lenguaje y del mundo, partiendo de las teorías del lingüista Noam Chomsky. En él describe los fascinantes secretos de la creación y el poder de la naturaleza. Según su propio testimonio, escribe muy poco, y sólo lo hace cuando la poesía viene hacia ella, en ningún momento la busca. Así, tuvieron que transcurrir diez años para que publicara su siguiente libro, Alphabet (1981). La peculiaridad de este libro es que Christensen utiliza una secuencia, descubierta por el matemático italiano Leonardo Fibonacci, para medir el metro y el número de estrofas, de tal manera que cada eslabón de la serie resulta la suma de los anteriores. En cuanto al contenido, en este libro, además de cantar el asombro ante la belleza de la tierra, también se suma la preocupación por la devastación del hombre. En 1991 publicó El valle de las mariposas. Consta de catorce sonetos rimados y un soneto magistral que en sus catorce versos repite el primer verso del resto de poemas; es un juego de forma clásica basado en la idea de que un poema entero puede estar envuelto en el primer verso, incluido en una sola palabra. Autora reconocida tanto en su país como en el extranjero, el año 1999 ha visto la aparición de sus obras completas en una edición alemana; asimismo, ese mismo año publicó su último libro, La habitación perdida. © L.H.C.M. http://www.epdlp.com/escritor.php?id=6042
http://cultura.elpais.com/cultura/2014/10/02/babelia/1412269392_824769.html
Para nutrir e irrigar nuestra reflexión y nuestras creaciones sobre y en el “exilio”, traigo la obra de la artista cubanoaméricana Ana Mendieta, sus trazas de cuerpo-huellas… sus sugerentes siluetas… cuerpo “almado” por medio del arte de la tierra, de la sangre, del fuego, el barro, la arena, el agua, lo vegetal, la piedra…
Nacida en 1948 en La Havane, Cuba, Ana Mendieta fue enviada a los 12 años, con su hermana mayor, a un orfelinato nord-américano, en Iowa, durante la revolución castriste en 1961. Creció de casas de acogida en orfelinatos, y el exilio, la pérdida y la marginación como mujer y como hispana, configuraron su transgresora producción artística posterior. La artista cubanoaméricana consagrará su vida y una obra multifacética (performances, body art, vídeos, fotografías, dibujos, instalaciones y esculturas) a una búsqueda de los orígenes y de su identidad. Los temas en los que se volcó a lo largo de su carrera artística giran en torno al exilio, la naturaleza, lo espiritual, lo femenino.
Durante mucho tiempo, su obra quedó a la sombra de su marido, el escultor minimalista Carl André. Pero, de repente, resurgió el nombre de la artista como víctima de un trágico suceso: el 8 de septiembre de 1985, Ana Mendieta caía al vacío desde su apartamento de la 34ª planta de un edificio de Greenwich Village en Nueva York. ¿Accidente, asesinato o suicidio? Se sabía de las turbulencias de la pareja, de sus discusiones siempre violentas. Pero la duda persiste en cuanto a las causas del drama. Carl André fue exculpado después de tres años de juicio. Ana Mendieta tenía 37 años. Toda su obra es un intenso grito corporal.
De 1973 a 1980 realiza sa serie más famosa: “Siluetas”. Por medio de varias performances, Ana Mendieta entra literalmente en diálogo con la tierra, su silueta se integra en el paisaje: ofrecida al flujo de un río, abrazada a la caricia de una ola, fundida con el tronco un árbol, vuelta llama, ahuecando su tumba, en la hierba y la paja, en la arena, la piedra o el barro. Del cuerpo sólo queda la traza. Parecen las huellas dejadas por una divinidad prehistórica, los restos de un culto primitivo. La artista siempre ha reconocido en esas obras, iniciadas en un decisivo viaje a Méjico, el recuerdo de su infancia en Cuba. “Es el sentimiento de magia, de conocimiento y de poder del arte primitivo que influencia mi actitud personal hacia el arte. A través de mi arte quiero expresar la inmediatez de la vida y la eternidad de la natura”. También con estas obras busca mitigar el dolor constante del exilio, que nunca llega a apaciguar a pesar de la obtención de la nacionalidad americana en 1971. Su arte fue un rito compensatorio de su desgarramiento interior. En sus intentos de fusión con la tierra, es también esa herida la que la artista intenta reparar. Vuelve a esa forma de paganismo que se encuentra en los cultos de la santería cubana próximos al vaudú: “Mi arte se basa en la creencia en una energía universal que lo atraviesa todo, desde el insecto hasta el ser humano, desde el ser humano hasta el espectro, desde el espectro hasta la planta, desde la planta hasta la galaxia” resume la artista en sus escritos personales. “Mis obras son las venas de irrigación de ese fluido universal. A través de ellas asciende la savia ancestral, las creencias originales, la acumulación primordial, los pensamientos inconscientes que animan el mundo. No existe un pasado original que se deba redimir: existe el vacío, la orfandad, la tierra sin bautizo de los inicios, el tiempo que nos observa desde el interior de la tierra. Existe por encima de todo, la búsqueda del origen.”
https://orbitadiversa.wordpress.com/2015/04/09/ana-mendieta-arte-y-feminismo/
http://colaboracionum2013.blogspot.com.es/2013/05/ana-mendieta.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Ana_Mendieta
Feu clic per accedir a Lynda-Avendanio_Ana-Mendieta.pdf
«Marche bleue», 2015, encre, pigments et vernis sur toile, 180 x 363 cm. © DR
“Siempre escuché en la línea pictórica algo así como una línea sonora. Siempre percibí la línea sonora como una construcción pictórica. Así que fui a la escuela Juilliard con esta pregunta: ¿En el momento preciso de su creación, pintura y música podrían ser “tocadas” al mismo tiempo?
Fabienne Verdier, “The Juilliard Experiment”, 2016.
En el otoño 2014, Fabienne Verdier fue invitada a abandonar la soledad de su taller para ser la primera artista visual invitada en residencia en la Juilliard School de Nueva York. En el corazón de su exploración estaba la posible sincronía entre música y pintura. Su investigación se centró en romper las acostumbradas fronteras entre la expresión musical y el lenguaje de la pintura. Embarcada en varios experimentos con profesores y estudiantes de la prestigiosa institución de artes escénicas y musicales, pudo llegar a la constatación de que el músico no sólo escucha sino que ve, y que el pintor no sólo ve sino que escucha. El ojo de la pintora escucha. Y todo está dicho. O casi.
El documental filmado por Mark Kidel es testimonio de estos intercambios iniciales con Darrett Adkins, Kenn y Barron, William Christie, Philip Lasser y Edith Wiens y sus jóvenes músicos en el estudio-laboratorio que Fabienne Verdier improvisó en el campus de Juilliard. Y también se hace testigo de la posterior fase de la obra en el taller de la pintora inspirada por todas estas ricas experiencias. Para lograr expresar esta nueva exploración fronteriza con toda la precisión que requería, Fabienne Verdier inventó –como suele hacerlo en cada uno de sus retos pictóricos– unas herramientas inéditas: “construí unos pinceles muy anchos con el fin de expresar la más mínima vibración de lo que podía sentir en el espacio“. La distribución del documental está prevista para esta primavera 2016. Una alegría!
http://www.juilliard.edu/journal/1412/artists-triptych-inspires-compositions
En esta antigua entrada encontraréis parte de nuestra trayectoria siguiendo los pasos de Fabienne Verdier y algunos vídeos más sobre esa pintora-calígrafa y su proceso pictórico:
https://blogdelesllobes.wordpress.com/2013/10/18/fabienne-verdier-peindre-linstant-2/
blog de les llobes 